Andrea Centazzo: immagini d'archivio raccontano l'artista

Il Fondo e Archivio Centazzo – conservato nella Biblioteca delle Arti, sezione di Musica e Spettacolo – è composto da una pluralità di materiali che raccontano diversi aspetti e sfaccettature della carriera del musicista, compositore e artista Andrea Centazzo. Una carriera lunga e densa la sua, che ha prodotto, e continua a produrre, innumerevoli documenti di diversa natura: partiture, registrazioni sonore, video, immagini, materiali promozionali, pubblicazioni, riconoscimenti.

La mostra vuole raccontare la carriera di Centazzo invitando lo spettatore non solo a entrare in contatto con l'artista, ma anche a cogliere i legami esistenti tra i documenti esposti e a seguire la molteplicità di percorsi attraverso i quali un archivio e il suo contenuto possono raccontare una produzione e una personalità artistica complessa come quella di Andrea Centazzo.

Nota per la consultazione:
Le immagini contenute negli slideshow possono essere ingrandite aprendole in una nuova scheda. I contenuti musicali e video con link a Youtube sono conservati nell'archivio su supporto fisico (vinile, CD, DVD, VHS).

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Indice

1. Gli esordi

2. La musica improvvisata

3. Immagine e suono

4. La macchina da presa

5. Le percussioni

6. Musica per grande ensemble

7. Il teatro: musiche di scena e opere liriche multimediali

8. Musicologia e didattica

9. La circolarità nell'utilizzo del materiale musicale

10. Tecniche di produzione delle partiture

1. Gli esordi

Artista eclettico, dal carattere forte e determinato, Andrea Centazzo non si è mai lasciato sfuggire la possibilità di dedicarsi all’Arte nelle sue molteplici espressioni, privilegiando tuttavia la musica quale attività attorno alla quale sviluppare il proprio composito percorso artistico. In un’intervista del 1984 ha affermato: «Credo nell’artista totale, “trasgressivo”; oggi è impossibile vivere l’arte in funzione del proprio prodotto, che è destinato ad un rapido sclerotizzarsi, data l’evoluzione frenetica dei mass-media, tecnica, multimediale».

Centazzo nasce nel 1948, in un paese in provincia di Udine, da famiglia borghese. Dopo una breve esperienza di studio del clarinetto, si dedica alla batteria, fondando con alcuni compagni del liceo i Messengers, band che suona canzoni beat e rock degli anni ’60. La passione spinge Centazzo a convincere i compagni a tentare un provino per la RCA che avrà però esito negativo.

Da batterista autodidatta, si dedica allo studio sistematico dello strumento a partire dai primi anni ’70, iscrivendosi nel 1972 alla Swiss Jazz School di Berna e studiando con il Maestro Pierre Favre, che diverrà poi una figura cardine nell’estetica percussiva e musicale di Centazzo.

Dopo aver conseguito la laurea in giurisprudenza, si iscrive al DAMS di Bologna e, a 25 anni, dà il via alla sua carriera musicale con una lunga successione di concerti. Il primo è Jazzrockconcert One, a Udine nel 1973, al fianco di Armando Battiston alle tastiere, Franco Feruglio al basso e Virginio Zambelli – come ospite – alla chitarra elettrica. Dopo aver ottenuto un notevole successo di critica, il trio registra il primo album, Ictus, caratterizzato da raffinate melodie orientaleggianti e contaminazioni jazzistiche.

Nel novembre del 1973 Centazzo diventa membro del quartetto di Giorgio Gaslini (pianoforte) accanto a Gianni Bedori (sassofono) e Bruno Tommaso (contrabbasso). Con il suo drumming e il suo particolare strumentario, Centazzo fornisce al quartetto una nuova concezione timbrica e coloristica delle percussioni. Come molta musica degli anni ’70, quella di Gaslini era "musica di sinistra", veicolo di un messaggio politico e di protesta, impegnata socialmente al fianco delle lotte operaie e studentesche. Un ideale etico ed estetico che Centazzo fece proprio per tutti gli anni '70. La collaborazione con Gaslini si interrompe bruscamente e inaspettatamente nel marzo del 1976.

Quartetto Gaslini, Concerto della resistenza, 1974

Giorgio Gaslini, Bruno Tommaso, Andrea Centazzo, Gianni Bedori, Milano, Edizioni Movimento Studentesco, disco 33 giri, lato B; registrazione dal vivo, Milano, Università Statale, 24 aprile 1974

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2. La musica improvvisata

Dopo la rottura con Gaslini, Centazzo, col supporto della prima moglie, Carla Lugli, fonda l’etichetta discografica Ictus, che si pone l'obiettivo di produrre musica improvvisata e impegnata: quella musica normalmente rifiutata dalle case discografiche in ragione della fetta di mercato troppo ristretta a cui si rivolgeva. Scopo della Ictus è quello di permettere all’artista di esprimersi liberamente, facendo di questa mancanza di condizionamenti legati al mercato il proprio progetto culturale. I dischi sono venduti a prezzo politico, rendendo il profitto della casa discografica quasi inesistente.

Altro momento di fondamentale importanza per la carriera di Centazzo è l'incontro nel 1976 con il sassofonista statunitense Steve Lacy. I due iniziano una tournée, che si conclude nel febbraio dello stesso anno con la registrazione dell’ultimo concerto a Casarsa (Udine), che diverrà poi Clangs, primo disco pubblicato dalla neonata Ictus.

Al duo si aggiunge in seguito il contrabbassista Ken Carter, che parteciperà a una nuova tournée e ad un altro disco Ictus (Trio live), nato anch’esso da una registrazione dal vivo.

Con la stessa modalità, tra il 1976 e il 1984, sono prodotti altri dischi Ictus che vedono protagonisti, al fianco di Andrea Centazzo, grandi maestri della musica improvvisata internazionale degli anni ’70: Derek Bailey, Lol Coxhill, Eugene Chadbourne, Tom Corra, La Donna Smith, Toshinori Kondo, Henry Kaiser, John Zorn, Polly Bradfield, il Rova Saxophone Quartet, Giancarlo Schiaffini e Gianluigi Trovesi.

È proprio con Trovesi – clarinettista e sassofonista – che nel 1984 Centazzo registra l’ultimo disco in duo prodotto dalla Ictus, prima della chiusura dell’etichetta discografica avvenuta alla fine di quell’anno; un disco, SHOCK!, dove suoni – a tratti rumori – e melodie etniche si uniscono a sonorità swing più “tradizionali”, mentre Centazzo sostiene col suo drumming arguto la libertà espressiva e sonora di Trovesi.

In un’intervista del 1977 Centazzo afferma: «La spiegazione [della scelta del duo] è semplice: duo è colloquio, è parlarsi, spiegarsi e farsi capire; duo è amicizia, reciproca gratificazione, esperienza diretta; duo, infine, è la volontà di stimolarsi a vicenda e di recepire, al di là del faticoso modulo del solismo, le stimolazioni di chi ti ascolta».

Andrea Centazzo & Steve Lacy, 'Dome', dall'album "Clangs", 1976

 Questa edizione digitale (ICTUS, 2022) ripubblica il LP registrato a Casarsa della Delizia (UD) dalla Ictus Records il 20/02/1976. 'Dome' è la terza traccia del disco

Ascolta il brano su Bandcamp/Ictus

Rova Saxophone Quartet with Andrea Centazzo, 'The Bay' dall'album "The Bay", 1979

'The Bay' è la terza traccia del LP pubblicato dalla Ictus Records. Il brano è firmato da Andrea Centazzo

Ascolta il brano su Bandcamp/Ictus

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3. Immagine e suono

Gli anni ’80 sono per Andrea Centazzo un periodo di forte sperimentazione, non solo in campo strettamente musicale, ma anche nell'ambito di altre forme di espressione artistica. Nel 1984 si avvicina alle arti visive, tramutando quelle che prima erano semplici partiture – il cui unico scopo era quello di fissare il testo musicale mediante un segno grafico – in opere d'arte, creando una fusione sinestetica tra arte musicale e arte visiva. Nella presentazione della sua prima opera immagino-sonora, Immaginografie, esposta nella Galleria Bonomo di Bari, Centazzo afferma che: «Segni e suoni si intrecciano qui in un immaginario microcosmo aperto su due lati: la musica aiuterà la comprensione del segno e l’immagine quella del suono. Esperienza immobile ma pur sempre fluente nel tempo musicale o, se si vuole, esperienza mobile per sempre fissata nel muto gesto di una mano sul foglio».

La sinestesia, la rappresentazione cromatica del suono, viene resa da Centazzo attraverso un ampio uso del colore, il suo dinamismo attraverso la tridimensionalità data al foglio contenente la partitura: Centazzo prende le carte da musica, le accartoccia, le sgualcisce, le brucia, le colora con accese vernici spray, le espone in sequenza per rendere visivamente lo scorrere della musica nel tempo (ad esempio nell'opera Installation del 1985).

Spesso Centazzo crea immagini alterando il segno musicale, disponendo le note in modi inusuali, coi pentagrammi posti a incorniciare l’immagine. Sfumature cromatiche vivaci si alternano a colorazioni più tenui e delicate, a rappresentare la forza e il vigore che la musica può contenere, o la sua profonda dolcezza ed eleganza.

In altri casi, invece, il segno musicale scompare del tutto, ma l'astrattezza delle opere e le tecniche utilizzate riescono ad evocare sensazioni quasi timbrico-foniche.

Le esposizioni di queste opere in gallerie italiane ed estere sono spesso accompagnate dal suono delle musiche rappresentate, diffuse nelle sale per coinvolgere il pubblico attraverso i due sensi, la vista e l’udito.

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4. La macchina da presa

Dall’immagine fissa Centazzo passa all’immagine in movimento, alla video-art: mantenendo il concetto di sinestesia, facendo ricorso alle innovazioni tecnologiche, il compositore unisce suono e video in un’unica performance. L’emissione sonora dello strumentario percussivo – in parte elettronico – viene trasformata in un input visivo che si modifica al modificarsi del suono e che viene proiettato su uno schermo nel buio di una sala da concerto.

Nel 1984 Andrea Centazzo compie un ulteriore passo in avanti, iniziando a usare la macchina da presa. Le immagini sintetizzate artificialmente non sono più sufficienti e Centazzo decide di comporre un «vero e proprio poema audiovisivo», al fine di trasmettere sensazioni uditive e visive strettamente legate assieme. È così che nasce Tiare, una composizione per percussioni, nastro magnetico, suoni elettronici e macchina da presa con la quale Centazzo riprende il Friuli, i luoghi della sua infanzia, luoghi che destano nell'artista particolari emozioni e sensazioni. Al contrario di quanto avviene di solito nel cinema, sono le immagini a fungere qui da commento, da supporto al discorso musicale

Quest’opera ha un significato profondo per l’artista, è legata alle sue origini: Tiare è infatti parola friulana che significa “terra”, e questo ritorno alla terra è rappresentato dalla circolarità dell’opera, che si conclude ripresentando le immagini inziali. Tiare viene presentata in diverse rassegne e festival cinematografici, vincendo diversi premi tra il 1985 e il 1987, tra cui il Gabbiano d’oro (Bellaria Film Festival), lo Special Merit Award dell’International video Festival di Tokyo e il premio MilanoScienza.

Arx, primo videofilm a soggetto, composto da Centazzo nel 1988, ha ancora una volta la terra quale nucleo d'ispirazione centrale: è la storia degli antichi castelli friulani, raccontata attraverso le avventure di un mago alchimista, capace di viaggiare nel tempo. Caratterizzata da un uso sapiente delle luci, sia negli interni che negli esterni, dalla presenza di un dialogo ridotto al minimo, da un perfetto equilibrio tra immagine e musica, quest'opera è un video d'azione in cui la musica sostituisce appieno le parole.

I colori di un sogno riprende invece Bologna nei suoi aspetti naturali, urbani e sociali. Il rapporto tra musica e immagine è organico, e la manipolazione e la rielaborazione caratterizzano sia la struttura sonora che quella filmica. La strumentazione elettronica si alterna e si sovrappone agli strumenti acustici a creare una sonorità dal tono minimale che accompagna sequenze lente, alterazioni cromatiche e dissolvenze continue delle immagini.

Andrea Centazzo, Tiare, 1985

Il DVD (Los Angeles, Ictusrecords, 2007) ripubblica il video originale del 1985, restaurato nel 2005

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5. Le percussioni

«La batteria è stato il primo punto di partenza verso la mia evoluzione musicale. La seconda cosa che mi ha affascinato nel mondo delle percussioni è la varietà dei suoni. [...] È proprio il fascino dei colori sonori che mi ha spinto ad allargare l'orizzonte ritmico della batteria e, al fianco dei tradizionali tamburi, ho usato metallofoni in bronzo, tam-tams e altri strumenti alla maniera di far musica dei popoli orientali». Così Centazzo dichiara in un’intervista del 1980. Agli strumenti acustici, già dai primi anni '70, si affianca una strumentazione elettronica che evolverà in sistemi di produzione e controllo del suono digitale.

Negli anni '80 Centazzo compone diversi brani per percussioni, sia solistici che per ensemble. Fondamentale tappa della sua carriera è Indian Tapes, che sarà al primo posto nella classifica dei dischi per sola percussione della rivista Down Beat. Nei 3 LP dell'edizione discografica, accantonata la prassi improvvisativa, Centazzo si concentra sulla ricerca compositiva, timbrica e virtuosistica, mescolando percussioni e strumenti elettronici, suoni e voci registrate, in un vorticoso lavoro che include anche le operazioni di montaggio e mixaggio.

Le partiture grafiche che riducono in forma scritta la complessità sonora e timbrica che caratterizza queste composizioni per percussioni utilizzano spesso una notazione non ordinaria, con segni e simboli creati dall'autore. Similmente, agli organici di membranofoni e idiofoni di vario tipo, in legno o metallo, si aggiungono strumenti ideati dal musicista, quali l'ogororo, il lokole, l'icebell.

Dopo un periodo di pausa, Centazzo torna a suonare come percussionista nei primi anni 2000, in concerti multimediali solistici, dove strumenti acustici e digitali si mescolano e, collegati a due computer che generano suoni e segnali video, permettono al compositore il controllo dell'intero processo creativo e performativo. Ciò avviene in Anmin/Sounsleep (2001), Mandala (2007) e Einstein's Cosmic Messengers (2010), progetto nato in collaborazione con la NASA.

Andrea Centazzo, 'Mandala III', da "Mandala", 2006

Le tracce del DVD (Ictus Records) sono state registrate durante concerti a New York, Los Angeles e Roma

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Andrea Centazzo, "Einstein's Cosmic Messanger Live", capitolo 1: 'The astronomer's quest', 2010

Il DVD (Ictus Records) riprende il concerto del 22 ottobre 2010 alla "University of Southern California". Nato in collaborazione con la NASA, il progetto racconta la storia delle onde gravitazionali

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6. Musica per grande ensemble

Gli anni '80 assegnano un ulteriore obbiettivo alla carriera artistica di Andrea Centazzo: la composizione per ensemble, più o meno vasti, che includono accanto alle percussioni archi, fiati e voci. Nascono opere in cui molto è scritto sulla partitura e poco spazio è lasciato all'improvvisazione, spesso controllata, dei solisti. Centazzo lascia la sua postazione dietro allo strumentario percussivo e raggiunge quella del direttore d'orchestra, pronto a dirigere i musicisti nell'esecuzione delle proprie opere.

È così che, nel 1983, nasce Cjant, scritta su commissione del Comune di Udine per celebrare il millenario della fondazione della città. Una composizione per sassofoni, clarinetti, trombe, corni, archi e percussioni, che, come afferma lo stesso Centazzo, «non è più musica intesa come genere, ma esperienza stimolante e, spero, provocatoriamente inclassificabile dal cui alveo affiorano […] rimembranze strumentali di mondi diversi, contaminazioni tra generi musicali anelanti ad un'unica forma di espressività: il suono». Sette movimenti strutturano l'opera, caratterizzata da «omaggi alla poetica mahleriana», «fraseggi minimali», sezioni scritte e sezioni improvvisate, richiami ai canti popolari friulani, accennati, presentati, variati dalla compagine orchestrale. Quest'ultima, con la sua particolare orchestrazione, rievoca diversi linguaggi e stili musicali: dalla classicità degli archi, al sound jazzistico dei sassofoni, fino ai richiami all'immenso patrimonio delle culture orientali suggeriti dalle percussioni.

Aggiungendo all'organico di 26 elementi di Cjant un soprano e una voce recitante, nel 1985 Centazzo compone Omaggio a Pier Paolo Pasolini, in occasione del decennale della morte del poeta. Partendo da alcune liriche pasoliniane raccolte in Poesie dimenticate (1965) e Tal còur di un frut (1953), affidate alla voce recitante e al soprano, Centazzo compone le musiche con l'obiettivo di rafforzare il suono di quelle parole, in continuità con lo stile adottato in Cjant e cercando «di ottenere sempre qualcosa di nuovo ed originale mescolando timbri strumentali nella maniera più azzardata e anticonvenzionale possibile, cercando sempre l'impasto timbrico inusuale e la contaminazione stilistica».

Altro notevole esempio di composizione per una compagine musicale di ampie dimensioni e singolare assortimento è Sacred Shadow (2002), in cui al fianco di un ensemble costituito da clarinetto, sassofono, flauto, violino, tastiere e percussioni, e al coro, il compositore pone un'orchestra gamelan balinese. Centazzo torna qui a suonare le percussioni e si pone come un ponte tra gli strumenti orientali e quelli occidentali, tra la cultura musicale balinese con i suoi magici suoni metallici e le musiche ipnotiche del minimalismo americano. A questo peculiare organico il compositore affianca la multimedialità: grazie al contributo di un visual designer, le «ombre sacre», immagini raccolte da Centazzo in tutto il mondo, vengono proiettate nel tentativo di rappresentare attraverso ascolto e visione la ricchezza delle tradizioni esistenti.

Andrea Centazzo, "The shadow and the silence - Homage to Pier Paolo Pasolini", ottavo movimento: 'Conzeit'

"Omaggio a Pier Paolo Pasolini" (1985) viene ripubblicato in CD (Los Angeles, IctusRecords, 2007) con titolo tradotto e variato

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Andrea Centazzo, "Sacred Shadows", quarto brano, per piccolo ensemble e orchestra gamelan, 2002

Il contenuto musicale del CD pubblicato dalla IctusRecords nel 2011, di cui l'Archivio possiede copia, presenta alcune differenze rispetto al concerto presente su Youtube

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7. Il teatro: musiche di scena e opere liriche multimediali

Il rapporto di Centazzo col teatro ha inizio nel 1986 con la composizione delle musiche di scena per i drammi interpretati e diretti da Luca Barbareschi. Centazzo si propone di comporre una musica ispirata al testo e ad esso funzionale, che abbia tuttavia struttura e lessico espressivo propri, che sia «talmente completa da poter avere vita autonoma ben al di là dello spettacolo teatrale».

Tra il 1986 e il 1991 sono numerosi gli spettacoli che vedono la collaborazione tra Centazzo e Barbareschi: Jacques e il suo padrone, Tutti gli uomini sono puttane, Mercanti di bugie, Il presente prossimo venturo, Caro bugiardo, Il ritorno di Casanova.

Nel 1993 Centazzo vince il premio Drama-Logue per lo spettacolo Incommunicado dell'Odyssey Theatre di Los Angeles, teatro con il quale continuerà a collaborare per alcuni anni in qualità di compositore di musiche di scena.

Il rapporto col teatro si fa ancora più profondo quando Centazzo decide di comporre un'opera lirica multimediale, incentrata sulla figura dell'artista, fotografa, militante Tina Modotti. Tina (1996) è, infatti, una delle opere più ambiziose del musicista, il quale crea e dirige uno spettacolo che unisce testo, musica, danza, video e fotografia, un «continuum espressivo finalizzato all'integrazione dei linguaggi spettacolari». Il video – contenente scene girate da Centazzo e fotografie rielaborate di Tina Modotti – viene proiettato sul fondo dell'enorme macchina fotografica che costituisce la scena, e funge da scenografia in movimento; la danza coinvolge cinque danzatori, le voci del soprano e del baritono e la voce recitante sono accompagnate da una compagine strumentale di ventuno esecutori che, grazie alla presenza di ottoni, legni, percussioni, archi e tastiere digitali, riuniscono linguaggi e sonorità contemporanei, minimalisti, folklorici, lirici e futuristici.

Tina viene prodotto dal Teatro Verdi di Trieste e, dato il successo, il libretto viene tradotto in inglese e lo spettacolo portato negli U.S.A., dove viene osannato da critica e pubblico.

Centazzo compone altre due opere liriche multimediali: Memento (2000), che porta in scena una rilettura in chiave contemporanea di un episodio della storia del Patriarcato di Aquileia, con caratteristiche foniche, timbriche e musicali simili a Tina; Simultas (2001), prodotta dal Teatro Comunale di Bologna, che narra la presa del potere della famiglia Pepoli a Bologna nel 1308 e sottolinea l'immutabilità delle passioni umane, quali desiderio di potere, gelosia, odio, violenza e sopraffazione.

Andrea Centazzo, Tina, excerpts from USA premiere, Los Angeles, 6/7 giugno 1998

Il video (videocassetta Betacam) contine riprese delle prove, della preparazione degli attori e dello spettacolo "Tina", andato in scena alla UCLA Freud Playhouse nel giugno 1998

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8. Musicologia e didattica

Animato da grande curiosità e da un desiderio di ricerca continua, con l’intento di trasmettere agli altri la sua stessa passione e le sue conoscenze già a partire dagli anni ’70 Centazzo inizia a dedicarsi alla produzione saggistica. I primi articoli vengono pubblicati su riviste musicali specializzate (La 440 Hertz, Gong, Fare Musica, Percussioni, Musica Van, ecc.); successivamente, negli anni '80 e '90, pubblica monografie di argomento organologico e metodi per batteria e percussioni.

Tra i saggi citiamo Guida agli strumenti a percussione (Il formichiere, 1979), Strumenti per fare musica (Gammalibri, 1982), La batteria. Stili, protagonisti e tecniche (Muzzio, 1982) e La percussione. Nuove tecniche (Ricordi, 1983), testo rivolto alla didattica degli strumenti a percussione nei conservatori di musica. Questi saggi approfondiscono non solo il mondo delle percussioni ma anche quello delle altre famiglie di strumenti musicali, in prospettiva storica ed antropologica, accompagnando il lettore in un viaggio attraverso le diverse culture.

Il batterista e Smart drumming sono due metodi pubblicati rispettivamente nel 1982 e nel 1993, nei quali il percussionismo viene analizzato come attività totalizzante in cui l'individuo è coinvolto sia dal punto di vista fisico che mentale: Centazzo non solo illustra gli esercizi pratici necessari per il batterista, ma fornisce, ad esempio, indicazioni su come scaldare e allenare i muscoli di tutto il corpo e sull'alimentazione più adatta.

Il desiderio di Centazzo di diffondere la conoscenza sull'universo delle percussioni non passa solo attraverso le pagine dei libri o delle riviste: numerosi sono gli incontri didattico-seminariali tenuti da Centazzo durante tutta la sua carriera, in Europa e negli Stati Uniti. Tra questi un corso di “Percezione del timbro strumentale nell’educazione musicale” tenuto al DAMS di Bologna nel 1986. Centazzo ha inoltre curato la rivista Pulsus (di effimera esistenza) e la mostra In Battere (1981), dedicata agli strumenti a percussione con l'intento di avvicinare pubblico e critica a questa famiglia di strumenti da sempre poco indagati e considerati.

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9. La circolarità nell'utilizzo del materiale musicale

Andrea Centazzo ha prodotto una vasta quantità di materiale musicale, parte del quale è rimasto inedito. Questi materiali, che a volte costituiscono abbozzi, semplici appunti, altre volte scritture quasi complete, vengono ripresi a distanza di anni dal compositore, rielaborati, rifiniti, completati, usati per uno scopo o un contesto esecutivo diverso da quello per cui erano stati prodotti inizialmente.

È il caso, ad esempio, di The Barrister, Serbatyc joy e Barium restautant che, come afferma il compositore, «sono state scritte per un laboratorio orchestrale al conservatorio di Bari e quindi per un organico che mi era stato comunicato precedentemente ma non sono organiche l'una all'altra e possono essere eseguite separatamente. Riprendono comunque vecchie composizioni inedite»; mentre Painful obsession «è del 2016 e si basa su un ostinato già usato in altre composizioni precedenti».

Silent night nasce invece nel 1990 per un concerto a solo di Centazzo. La "partitura" è costituita da un semplice abbozzo, un'idea appuntata a mano su un pezzo di foglio pentagrammato; nel 2018 questa bozza viene ripresa, approfondita, revisionata e arrangiata per due voci e tastiera.

In altri casi, composizioni complete, scritte per un determinato organico vengono riprese e riarrangiate per essere eseguite da un organico totalmente diverso. È il caso, ad esempio, di Rumble che, nato nel 1983 per un organico di sassofono soprano, tastiere e percussioni, viene riorchestrato due anni dopo per percussioni ed elettronica e nuovamente, nel 2000, per clarinetto e pianoforte.

Chirimia nasce invece nel 1977: «da quella versione (che era solo la melodia scritta su un rigo) ne sono derivate varie versioni per vari organici di cui quello orchestrale e quella per Trio (flauto, clarinetto basso, percussioni) sono le più note. Una nuova versione per quartetto (flauto, vibrafono, percussioni e basso) viene arrangiata nel 2022».

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10. Tecniche di produzione delle partiture

Centazzo scrive in un periodo di continue evoluzioni tecnologiche e questo si rende palese non solo nelle opere, ma anche nei diversi metodi di redazione delle partiture. Quelle degli anni ’70 e dei primi anni ’80 sono manoscritte, in genere autografe a cui si affiancano spesso copie di Roberto Manuzzi, collaboratore di Centazzo, dotato di una grafia chiara e ben leggibile. Nella maggior parte dei casi le sue trascrizioni riguardano tanto le partiture quanto le parti, vengono riprodotte in fotocopia per i musicisti e in questa forma recano spesso le loro annotazioni manoscritte, che fungono da traccia informativa sull’esecuzione e interpretazione del brano, tanto dal vivo, quanto in studio di registrazione.

I manoscritti che subiscono nel tempo modifiche testuali si presentano talora come collage di frammenti con versioni alternative di passi dell'opera.

Le partiture prodotte dal 1986 ai primi anni ’90 utilizzano i primi software di trascrizione elettronica (Notator) e i primi metodi di stampa “casalinga” a matrice di punti su carta a modulo continuo (i fogli sono uniti sul lato corto e i margini laterali sono forniti di fori di trascinamento), sottile e fragile, in cui la stampa musicale appare sgranata, spesso sbiadita e di non agile lettura.

Dal 1993 circa Centazzo passa a metodi più evoluti di trascrizione elettronica e stampa, basati sul software Logic e stampa laser in formato A4 o A3, con caratteri ben definiti e meglio impressi.

Tra il 1994 e il 2001 l'editore Warner Chappell music Italy ha pubblicato in partitura le principali opere musicali di Centazzo.

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Riconoscimenti

Realizzazione della mostra: Francesca Dragone (Scuola di specializzazione in Beni musicali - UNIBO)

Supervisione: Gianmario Merizzi

Si ringraziano: Andrea Centazzo, Giulia Giannini, Rosa Peluso.

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